一个演奏家成熟的标志就是形成自己的风格，唯有如此，才算是完成了从学生到艺术家的转变。

什么是风格呢？风格是事物稳定的、系统化的感性特征。音乐的风格，其差异体现在音响形态上。具体到音乐演奏领域，则包括手法及曲目。这两者又相互关联，往往演奏家擅长的手法带来了适合的曲目，而经常演奏的曲目又造就了演奏手法。

风格差异的存在在审美领域具有巨大价值，是艺术及人类感性体验多样性、丰富性的标志。

能够在演奏史上占有一席之地的演奏家，可能呈现出某些突出的演奏特点，有偏爱的作品，然而通常不太可能是只弹及只能弹好某类作品的“偏科生”。

例如以诠释巴赫闻名于世的钢琴大师图雷克。我手边有一张名为《年轻的火种》的唱片，竟收录了她在1945年31岁时演奏李斯特全套六首《帕格尼尼练习曲》的现场录音！

这是一次成功的诠释，技术精湛、指法凌厉、音乐灵动，更为难能可贵的是这些都是现场实况录音，充分证明了图雷克演奏技术的扎实稳定，也向我们表明，她在巴赫作品之外曾经涉猎过相当多样的音乐风格及作品。

又如日本钢琴家内田光子，曾于1970年获得华沙肖邦国际钢琴比赛亚军。她本可借助肖赛获奖的名头，主打肖邦来开拓自己的事业，却转向了莫扎特等德奥作曲家的作品，并几乎没有再发行肖邦作品专辑，想必是她更倾心于此。

还有一类钢琴家，会以自己擅长的风格去“跨界”诠释其他风格的作品，比如贝多芬专家肯普夫大师曾录制两张肖邦钢琴作品的唱片。这样一份初听可能略觉陌生的诠释，却给我带来了肖邦音乐审美的新感受，极具审美价值和启迪，我经常向朋友推荐。格伦·古尔德也录制过莫扎特钢琴奏鸣曲全集、贝多芬钢琴奏鸣曲全集，天才的搞怪方式令这些录音成为了爱乐者们值得一听的版本。

其实，对音乐事业有抱负的演奏家，大多都是不喜欢被贴标签的。法国钢琴家齐夫拉就曾表示，尽管自己很喜欢李斯特，却很不喜欢一直被人说只弹李斯特的作品，他说自己也曾经演奏和录制了大量其他作曲家的作品，但是不知道为什么那些人好像都没看到。这一点在肖邦大赛获奖者身上体现得很明显，大多数获奖者都不会囿于弹奏肖邦作品的舒适区，而是努力拓展自己的曲目范围，阿什肯纳齐、阿格里奇、波利尼、齐默尔曼等大师都是范例。

演奏家的“标签”，是对其主要风格特点的高度概括与凝练，有助于不熟悉的乐迷较快地了解。然而，如果将标签机械化、绝对化，就会滑入粗暴归类的误区，形成偏见。对待演奏家，终究还是要用自己的耳朵去听，用心去感受。